Blog

Aug 02, 2023

El MFA Show de Columbia es una experiencia inmersiva

Puede parecer que las ferias dominan actualmente la escena artística de la ciudad de Nueva York, pero más arriba, los 30 estudiantes graduados de maestría en bellas artes de la Universidad de Columbia están presentando sus trabajos de tesis en un ambiente reflexivo.

Puede parecer que las ferias dominan actualmente la escena artística de la ciudad de Nueva York, pero más arriba, los 30 estudiantes graduados de maestría en bellas artes de la Universidad de Columbia están presentando sus trabajos de tesis en una exposición reflexiva que ofrece un bienvenido descanso de las ferias comerciales. The Unraveling and Exploding of Time, Space, and Matter, comisariada por Jasmine Wahi y hasta el 21 de mayo, ocupa dos pisos en el Centro Lenfest para las Artes de la escuela e involucra algo más que pinturas colgadas una al lado de la otra u obras de arte agrupadas en categorías arbitrarias. En cambio, la muestra compila obras increíblemente dispares en una red de espacios de galería inmersivos, todos de alguna manera hablando del tema imposible de la exposición. ¿Qué significa “el desmoronamiento y la explosión del tiempo, el espacio y la materia”?

Los grabados, acuarelas y papel tapiz impreso en linóleo de Garrett Ball abordan el prolijo título del programa en la primera entrada. Frente a las puertas de la galería, la instalación es una disección obsesiva y pseudomatemática del arte occidental y la noción del tiempo, presentando un torniquete del metro y la imponente arquitectura del famoso vestíbulo de la Grand Central Station. De aquí en adelante, los artistas descartan en gran medida estas imágenes canónicas, inventando sus presentaciones de tesis a partir de objetos no tradicionales y recuerdos personales.

Una cosa que se destaca de la muestra es la exploración del miedo por parte de un puñado de artistas como herramienta para transmitir un significado más profundo. En el nivel superior, la instalación doble de Anna Ting Möller comprende miembros amputados que cuelgan del techo del espacio oscuro y un vídeo en bucle de 10 minutos. La película combina imágenes personales y paisajísticas tomadas en China (Möller es chino y sueco). Las escenas (vistazos de una botella de agua apoyada sobre una mesa, la fachada de un edificio de apartamentos, una calle llena de gente, un río sereno y manos inquietas) evocan un recuerdo acelerado. Delante del vídeo, las obras escultóricas de Möller están realizadas en parte utilizando la cultura kombucha. El probiótico está hecho de té y azúcar, dos impulsores del imperialismo, y Möller describe su uso del material como una reflexión sobre las historias coloniales.

Dos pisos más abajo, Alison Nguyen ha invocado un horrible coche partido por la mitad y lleno de tierra. En tres pantallas cercanas se proyecta una inquietante película que sigue la vida de tres mujeres programadas por inteligencia artificial cuyos recuerdos han sido borrados, intercalada con referencias a la guerra de Vietnam. En una escena, las mujeres están sentadas en la parte trasera de un automóvil con un hombre muerto tirado sobre un montón de tierra a sus pies.

Otras obras son más lúdicas. “Wayward Bridge, Westward Sun” (2023) de Merry Sun consta de tres plataformas inclinadas con tubos de acero alineados a los lados. Las gaitas tocan notas caprichosas mientras el espectador camina a través de los puentes ondulados.

Otra presentación impresionante que incorpora sonido es la instalación de varias partes Tidal (2023) de Paul Rho, que fusiona fotografía analógica y tarros lunares, una cerámica tradicional coreana. Los parlantes dentro de los frascos tocan notas rápidas y singulares (grabaciones de Rho golpeando campanas de cerámica) en un bucle de 10 minutos. Los pings pasan de un frasco de papel al siguiente y nunca suenan al mismo tiempo. Los intervalos entre notas son demasiado largos para seguir un patrón, lo que transforma la obra etérea en otra instalación algo inquietante.

Me encontré con Rho cerca de su instalación, configurando su cámara para documentar la exposición para sus compañeros de clase. Al crear Tidal, me dijo Rho, se preguntó cómo podía “convertir la fotografía en algo más”. El proyecto comenzó cuando el artista arrojaba vasijas con forma de luna en un torno de alfarero y luego las envolvía con papel de morera impreso con fotografías de Corea, donde creció. Rho sintió que el aspecto material de la obra estaba completo, por lo que agregó un elemento de actuación en el que toca dos campanas mientras derriba los frascos de papel mientras usa el traje tradicional coreano hanbok (las campanas, el vestido y un pequeño video de la actuación son que se muestra cerca de los frascos de papel).

"Al final, no puedo trabajar las 24 horas del día, los 7 días de la semana, así que esto tiene que venir en forma de instalación", dijo Rho. Con la ayuda de un amigo, grabó el sonido de las campanas y las hizo sonar dentro de las tinajas lunares.

La exposición del Columbia MFA también incluye algunas pinturas exquisitas, algunas que contemplan historias colectivas y otras que transmiten momentos profundamente personales. “Duo Divorce Club” de Conor Dowdle (2022) representa un bar de Brooklyn. Dowdle, quien dibujó en el lugar, me dijo que los personajes sentados en los taburetes de la barra se parecen vagamente a personas reales. El bar casi parece un carnaval, con sus tonos amarillos y su techo pintado con los rayos de sol de una carpa de circo. Las figuras mismas también parecen transitorias, vagamente delineadas y borrosas, como si estuvieran en movimiento.

Otras obras son más abstractas. Levi Nelson, un artista de la nación Lil'wat en Columbia Británica, Canadá, elaboró ​​una serie de pinturas al óleo que incorporan elementos de diseño indígena, incluida la línea de forma del noroeste del Pacífico y el estilo de talla Coast Salish. En su declaración de artista, Nelson explica que eligió la tradición europea de la pintura al óleo como una forma de explorar lo que significa ser un artista con una identidad que ha sido “interrumpida, influenciada, destrozada y luego reconstruida desde ambos lados. "

Abajo, las pinturas de Li Wang muestran un único sujeto desnudo en varios espacios domésticos bañados por una iluminación vibrante. Kat Lowish también creó una serie de pinturas que representan interiores. En su mayoría son tranquilos y en ocasiones surrealistas, y preguntan qué sucede en nuestros entornos más íntimos cuando no hay nadie allí para mirar. La serie de pinturas al óleo de formas extrañas de Kevin Cobb juega con la perspectiva y la autopercepción, acumulando múltiples realidades de visión en obras únicas y representando la visión del artista mientras crea físicamente las obras de arte.

Quizás debido a la meticulosa curaduría de Jasmine Wahi, quien fundó la organización artística local sin fines de lucro Project for Vacuum Space, cada una de las 30 presentaciones transporta al espectador a lugares tremendamente diferentes sin dejar de ser algo cohesivas. Lo que los une podrían ser los ecos espeluznantes de los bucles de vídeo que llenan las galerías, dando incluso a las obras más ligeras la sensación de que el tiempo, el espacio y la materia se están “desintegrando y explotando”.

Elaine Velie es una escritora de New Hampshire que vive en Brooklyn. Estudió Historia del Arte y Ruso en Middlebury College y está interesada en el papel del arte en la historia, la cultura y la política. Más de Elaine Velie